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专访 | 王菂:在黑暗中找寻自己
发布时间:2017-03-07 13:44:19 来源:全球艺术网专稿 我要评论(0)
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【内容简介】: 对王菂而言,黑夜存在着生命、想象、净化、冷寂、矛盾、热爱、自省、可能性、衍生力等无法全部用言语阐述而只能以黑暗更为忠实地呈现的事物。这是一个尤为纯粹的境地,在黑暗中找寻自己。

对王菂而言,黑夜存在着生命、想象、净化、冷寂、矛盾、热爱、自省、可能性、衍生力等无法全部用言语阐述而只能以黑暗更为忠实地呈现的事物。这是一个尤为纯粹的境地,在黑暗中找寻自己。


相较于有时被难以避免的各种琐碎所充斥的白天,他更愿意在夜晚作画,夜晚是一个容易让人置身于反省状态的时间延续段,能让他“特别会静下心来看待自己的画,观察自身的想法”,而这也让他的画沾染上孤冷,他说:“画什么都会有一种较为冷寂的感觉。”



●王菂,1981年生,浙江杭州人。现为中国工笔画学会会员,浙江美术家协会会员,浙江省中国画家协会会员。


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全球艺术网(Q):童年对于一个人的影响是具有延续性的。了解到,您好像从很小的时候就开始学画画了,您的父亲是一直致力于培养您这方面的才能吗?


王菂(W):在很小的时候,我就表现出对于绘画的敏感以及欲望。三四岁那会儿,会在各种地方涂画,甚至拿着汤在桌上画。我父亲年轻的时候也很喜欢画画,再加上我自身的喜爱,他确实会有意在绘画方面对我进行培养。再到小学一二年级,我参加了一个艺术团,从那时起开始接触较为正规的绘画训练——工笔白描。在80年代,一星期只有一个休息日,到之后,才慢慢过渡到有双休日。我父母对我还是比较严格的,休息日、寒暑假的时候,他们就把我反锁在家里,让我待家里画白描,每天都会规定数量,他们回来之后会检查。一个暑假能画很厚的一本。




Q:如果您想出去玩了呢?


W:不太有得玩。只有在放学回家之前,才能在外面“拼命”地玩一会儿。在家里基本上还是画画。在外头,也没有什么玩具,就跟自然打交道。所以,你看,在绘画上我对昆虫类特别熟悉,是因为从那个时候开始那些虫子、鸟的各种结构、色彩以及常态就印在我的脑子里了。




Q:所以从小就会对这些自然之物进行观察。


W:对,这是潜移默化的一个过程。再到小学五年级,开始学素描、色彩,把国画稍微放在一边。到高一时,再重新加强国画方面的练习,一直到高中毕业。后来,考上中国美术学院。之后,创作上慢慢地往冷峻、孤寂的方向靠近。可以说,我整个的状态是很延续平稳的,是一种长期积累起来的感觉和体会。



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Q:您当年的毕业创作挑选了中国传统戏剧服装作为题材,当初为什么会选择这样一个表现形式呢?


W:我的叔叔和弟弟都是从事昆曲工作。我在很小的时候,就会去看我叔叔演出,那会儿也并非只是为了看戏曲故事,还看那些服装和武戏,觉得很好玩,从小就留下了印记。在思考毕业创作时,不知怎么就想到这个点了,觉得绘画同戏剧在表现形式上有共通之处。戏剧并不专注于表现现实场景,舞台上什么都是空的,却能营造出一种空间感从而能使你进入。这跟绘画是有相似之处的,也就是说,并不一定是越现实,画面的代入感就越强。在此,存在“间离效果”。有时候,你画的越多,越趋向现实,反而就会产生某种局限,难以让观者走入其中的意境。


●王菂当年的毕业创作


此外,为什么这几部经典的戏剧,有那么多的人会反复地去看?这个问题是很有意思的。是它的故事情节、台词、唱法还是各种各样的细节吸引住了观者?其实,绝大多数人对于其中的情节早已烂熟于心了,但还是会去反复地看。因此,最值得一些艺术创作者去思考的是为什么一些东西、一些美的形式不需要更多的创新而仅是将这个形式保留下来就还是能够打动人心?


Q:那您找到一个答案了吗?


W:戏剧本身的美早已融合在它的肢体语言、唱词的旋律、声调和唱腔等方面里了,它的美是超脱于故事情节的。其实画画也是如此。我们有时候欣赏一幅画,并非是因为这张画有一个新的境或是表达了一个新的故事,才会打动我们。我们去看一千年前的画,它所传达出来的气息会令我们很感动,内心久久不能平静,但是你又无法将感动的原因说出个所以然来。它的美是融合在一笔一画、一点一墨之中的。它本身的形式就透露出这种美,你看了一百遍,还是觉得美。我们有时候说到笔墨传承,其实很多美的因素就是蕴含在传统的笔墨中,并不是一定要把这些传统都推翻再去构造一种自认为属于这个时代的美从而才能打动这个时代的人。美是永恒的,是一个很延续的事物。



我对于美的延续性有我自身的信念。第一,自身的心境抵达何处,自然会画出某个境界;第二,依旧需要去追寻,或者说,去继承传统美里头的形式语言和表达方式,并不一定要急于去创造某种新的形式。我们都在说,笔墨随时代,我们现在回头一看,从唐宋元明清过来,已经一千多年了,但是那种美的表现和格调还是很延续的。而我们现在,才过了几十年,涌现出各种各样的审美方向。但在历史的长河中,这几十年其实是很短的一个片段,所以,我觉得没有特别大的必要非得要推翻前人的一些审美态度。归根结底,美是一种很深刻的人类情感。


Q:所以您在这方面,自身的认知还是比较清醒的。


W:我不是特别认同那种为了现代而现代,为了当代而当代的一些创作方式。


Q:也许是出于“要有自己的语言”这一考虑,一些人会有意回避一些常见的题材以及绘画形式。您会吗?

W:我还是想从一些常见的题材里面去提炼,而不是刻意画一些怪异的题材或是组合。我个人倾向于去营造一种美好、空灵、寂静的意境。


 

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Q:您有说过,您“追求的是那种淡然宁静的画面感,却需要你与繁复的琐事和焦虑的情绪做一次又一次的斗争”。那么,能具体说说,您产生了哪些困惑、焦虑,而它们对于您的创作也许会是一种激发,因为有时候,恰是绝望能生发更为敏感的触动。而您所说的斗争又是怎样一个过程呢?


W:当然会有矛盾和困惑。有些时候会感到“词不达意”,绘画的技术同表现的感觉往往还是会有少许脱离。有时候画完了,发现还是不能完全展现出当时想要宣泄的情感。这种时候就会比较痛苦和失落。也就是说,技术层面还是需要慢慢积累,能够用笔端去完全表达出来甚至是更强烈地宣泄出来确实是需要时间。


也会去寻找新的表达方式。就像我自身一直以来的风格是偏向于细腻写实,但在我的意识里会特别向往朝着粗犷或者虚空的方向去靠近,或是朝完全对立的方向去走。但是,又不能直接过渡过去,这是很困难的一个过程。



Q:这真的是您想追求的状态吗?会不会当您进入之后,又会去试图返回原先的处境?


W:所以人都是很矛盾的,就像一座围城,“城外的人想进去,城里的人想出来”。你达不到的那个地方就是最美好的。



Q:那您现在是在往那个状态靠近还是仍处于观望之中?


W:你看我现在所画的,其中已经在表露出往虚淡、更为空旷的方向走入。我以前的画作可能会更写实饱满一些,现在则更为空灵一些。但完全走入进去,并不是由主观意愿控制的,它牵涉到技法、题材等各种方面。需要找到刚好切合的那个点,才能够过去。这没有那么简单,并不是说画得少或是留大面积的空白就能达成,这需要各方面的综合才能营造出我想要的感觉。虽然困难,但我还是想去做一些努力和尝试,逐渐地由实到虚、由丰满复杂到空灵。也只有这样做,才会有一个动力存在。



Q:可能会走向一个更开阔的境地。


W:我还是觉得当个人的心境达到某个层面时,会自然地生发出一些体会和追求,而我想做的就是自然而然地向这一追求靠近,而不是去刻意地改变。



Q:您是否会认为艺术创作具有某种“社会性”?也就是说,在维持独创性与艺术性的同时也在事先将受众的审视纳入创作之中,并且会试图去使两者之间的适应度达到某种具有平衡可能的层面。


W:毕竟你处在这个社会,而不是一个超脱于世外的人。当然会考虑到受众,而这就要涉及到如何去平衡的问题了。包括古代的那些大家也是一样的,院派和宫廷派的就更不用说了,即使是一些在野的画家,能够完全符合自己的内心去创作的很少。从社会功能性而言,你的绘画作品还是需要人们去欣赏,你创造美,当然也会希望能引起别人的共鸣,这是一个正常的欲望,我们不一定要对此进行抹杀。你太特立独行也没必要,还是需要观者对你的创作能有一定的认同。此外,从我自身出发,我认为绘画是“真善美”的一种体现。比如说,办一个展览,我也会根据展览的受众人群、展馆各方面的格调气息和条件等去对画作进行一个考量,尽量让这幅作品在这一环境和氛围下能够更贴切地传达出我想展露的气息和真实意味。


当然,也会在某个特定的时间和氛围里,去画一些自己特别喜欢的东西。比如,去抓住某一细微的情绪和感觉,而后依此衍生出一系列的画,这是很美好的过程。将自己的感动和感悟展现在笔端,再加深放大成一幅比较完整的作品,顺其自然地将绘画的心境和技巧笔墨结合在一起,这是最好的一种状态。



Q:奥地利诗人里尔克有一句话:“如果你觉得不写作可以活着,那你就不要写作。”我认为这句话也可以用到绘画创作上。他的话并不极端,只是在表达一种对于写作的强烈情感。您对于绘画会有这样的感受吗?


W:有。其实这是一个情感的宣泄方式和表达的渠道。对于一些在自然和生活中感受到的东西会不自觉地用我所熟悉的方式去宣泄,去表现出来。这是一种习惯性地寻求表达的欲望。



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Q:您外出写生时是会更注重细节还是整体?


W:会更注重整体的感觉。我在上课的时候,也会经常对他们说,你背着画板到外面去,是逮着一个东西就坐下来画呢,还是你看到了某一对象,你觉得好看才坐下来画?这是第一个问题。第二个问题就是,如果你觉得这一表现对象是好看的,你就得去思考,它为什么会打动你,这点是很重要的。人生来都有欣赏美的欲望和习惯,但作为一个画家,需要有更为敏锐的感受力以及将这一感受“提纯”的能力。你要带着这个目的去写生,去培养自己的能力。你所有的欲望和表现形式都在靠向这种提炼出来的美,用绘画将这种感动到你的东西表现出来。但有时候没有那么纯粹,或者说,往往是在这个过程中,会把最初的感动给淡忘。我们常说要“不忘初心”,而在那个时候往往会忘了初心。


●王菂外出写生


Q:就是说,在这个过程中,当“添加”的东西越加越多,会突然发现原先的真实状态已经在丧失了。


W:肯定会有这种时候。


Q:那遇到这种处境,您是怎么处理?是把这个完全舍弃了还是再设法把原先“添加”的东西给脱离下来。


W:这只能依靠自己去慢慢调整,因为其中包含了很多技巧性的东西。再说到“职业本能”,既有好的方面,也有不好的方面。因为,有时候往往是一些技巧上的东西代表了一种习气,使得自身难以有一些突破。当然,有时候这能让一个人的风格具有很高的辨识度,也很容易借此传达出自己的情感,但不能否认的是,这也形成了某种禁锢,容易将一些新的体会和感悟依旧用固有的表达去展示。因为当你用载体去表现自己的精神感动时,难免会有出入。




Q:有些时候技巧反而会是一种损害。


W:当然。所以说“职业本能”是一把双刃剑,它能够让你有表达的媒介和载体。可能当你面对大海时,你的感触特别强烈,但是,你将海水往杯子里一倒,海水又成为了杯子的形状。


Q:这个说法好。


W:所以说,当纯精神的东西落实到一个载体上时,往往会有困惑,会产生难以避免的框架和禁锢。这也是创作者的一个共同的心结。你这样一想,就会发现创造美真的是一个很艰难的过程,需要自身去慢慢寻求。




Q:那在绘画上,您对于真实的思考是怎样的?


W:我切身的感受是尽量不要被自己的习惯语言所制约。另外,就要涉及到是更自我一些还是为观者考虑得多一些的问题了。因为有时候,确实还不能直接去抛弃一些东西而后达到一种理想的状态。我会创作一些更具实验性质的东西,但从来没有向外界展现过,因为相对而言并没有很成熟。这一部分作品会跟现在大家所看到的我的作品较为对立,笔头会很粗放,整个格调会很纯粹、虚无,用极为单纯的艺术语言去表现情感。我所渴望的还是那种能特别走入精神层面的创作。


文 | 兀食

图 | 艺术家提供

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